Formation conception et interprétation de spectacles chorégraphiques pour le jeune public.
Ce module de formation a pour objectif de proposer des outils pour comprendre et concevoir des spectacles chorégraphiques à l’attention du jeune public.
Depuis plusieurs années, le milieu chorégraphique a rejoint les autres arts de la scène dans l’élan de création pour le jeune public.
Les artistes chorégraphiques prennent maintenant part au fantastique développement de la création pour les plus jeunes en apportant de nouvelles propositions, de nouveaux langages et arguments.
Fidèle à ses origines, la danse sait se rendre complémentaire d’œuvres théâtrales, musicales ou scénographiques.
Aussi, et c’est maintenant fréquent, les artistes, apportent des réflexions et des œuvres à part entière, dont la danse est le principal acteur.
Cette pratique reste encore récente, voire inédite pour certains danseurs, et chorégraphes. Elle soulève de nombreuses questions artistiques ou liées à la production.
Que considère t’on comme une œuvre à destination du jeune public ? Quels langages sont en jeu ? Quelle place faire à la narration et à l’abstraction ? Quelles collaborations artistiques sont pertinentes ? Quels sont les modes de productions, les réseaux de diffusion et l’économie de la création jeune public ?
Le PNSD Centre international de danse Rosella Hightower propose une formation abordant toutes ces questions en lien avec des professionnels en activités, artistes, mais aussi responsables de programmation et philosophes. La formation fera la part belle à l’expérience et la mise de pratique guidée par les différents artistes intervenants.
Un éclairage théorique et réflexif sera proposé par un enseignant-chercheur dans le domaine de la création jeune public. Le point de vue d’un diffuseur, programmant des spectacles jeune public permettra de traiter les conditions de création et de diffusion de ces spectacles adressés au jeune public.
La dernière période sera consacrée à la présentation d’un projet de création individuel et sa présentation-test devant un public d’enfants.
Lors de chaque session, un spectacle jeune public à voir sera proposé aux stagiaires et pourra être le support d’une observation et d’une analyse partagée pour dégager ce qui pourrait être les paramètres du « spectacle jeune public », à travers une attention particulière portée à certains aspects.
Objectifs
Les objectifs principaux de cette Formation Chorégraphie Jeune Public sont :
Assimiler les enjeux artistiques et créatifs d’une écriture chorégraphique et de son interprétation susceptible de toucher les enfants et les jeunes publics
Être capable de proposer des formes courtes accessibles aux enfants et aux jeunes publics
Acquérir les démarches spécifiques à la création adressée aux jeunes publics dans le spectacle vivant aujourd’hui (modes de production et de diffusion, économie…).
Programme de la formation
1. Introduction et temps d’échange
Présentation des participants : Un temps d'échange est consacré pour connaître le parcours de chaque participant et les raisons qui les ont amenés à choisir de créer pour le jeune public. Cela permet de poser les bases d'une dynamique de groupe bienveillante et d'identifier les attentes de chacun.
Motivations et enjeux : Discussion sur les motivations personnelles et professionnelles à travailler avec un public jeune, et sur les enjeux artistiques et pédagogiques liés à ce type de création.
2. Travail sur la présence et l’interprétation
États de présence : Exploration des différents états de présence scénique et de leur impact sur la communication avec le jeune public. Ce module vise à affiner la qualité de la présence sur scène pour mieux capter l’attention des enfants.
L'adresse et l'interprétation : Travail sur la question de l'adresse au public et sur les subtilités de l’interprétation pour toucher un public jeune de manière authentique et adaptée.
Rencontre avec le public : Techniques pour aller à la rencontre de ce public spécifique en tenant compte de leur perception, de leur sensibilité et de leurs attentes.
3. Conscience corporelle et transmission
Approfondissement anatomique : Développement de la connaissance anatomique par un travail basé sur les sensations corporelles. Ce module propose de questionner la manière dont ces sensations peuvent être transmises pour créer un état de conscience corporelle chez les enfants.
Transmettre l'état de conscience : Réflexion sur les méthodes pour transmettre cet état de conscience corporelle aux enfants, en adaptant le discours et les exercices à leur niveau de compréhension et de développement.
4. Supports créatifs et travail sur l'imaginaire
Supports textuels, visuels et sonores : Exploration de différents supports (textuels, visuels, sonores) qui stimulent l'imaginaire des enfants et qui peuvent être intégrés dans le processus de création chorégraphique.
Nourrir la création : Utilisation de ces supports pour enrichir la création, en s'inspirant de l'univers des enfants et en travaillant sur des thèmes qui leur sont proches et accessibles.
5. Improvisation et création d'un univers singulier
Ateliers d’improvisation : À partir de thèmes précis, les participants sont invités à improviser pour repérer les outils nécessaires à la création d’un univers chorégraphique unique et singulier.
Création d’un univers : Travail sur la mise en forme de cet univers, en tenant compte des spécificités du jeune public et des intentions artistiques.
6. Scénographie, objets et musique
Place de la scénographie : Réflexion sur l'importance de la scénographie dans la création pour le jeune public, et sur le rapport aux objets en tant qu'éléments narratifs et symboliques.
Rôle de la musique : Discussion sur la place de la musique, qu'elle soit enregistrée ou en live, et sur son impact pour enrichir et soutenir le propos chorégraphique.
7. Retour sur les créations et tests avec le jeune public
Feedbacks croisés : Les participants présentent leurs travaux, et des retours sont donnés de manière collective, permettant de croiser les regards et de bénéficier de différents points de vue.
Tests avec le public : Inviter des enfants pour tester les premières ébauches de création, afin de recueillir leurs réactions et ajuster les propositions en fonction de leur réception.
8. Construction d'une pédagogie en lien avec la création
Outils pédagogiques : Donner des outils concrets et partager des retours d’expériences pour aider les participants à construire une pédagogie adaptée à la création chorégraphique pour le jeune public.
Lien entre création et pédagogie : Réflexion sur l’articulation entre la démarche artistique et la transmission pédagogique, pour proposer des ateliers qui nourrissent à la fois la créativité des enfants et leur apprentissage.
Planning et lieux de la formation
14 décembre 2024 - 10h-13h30 et 14h-17h et 15 décembre 9h30-13h30 et 14h-15h30, PNSD Mougins, formateur Christophe Garcia
11 janvier 2025 - 10h-13h30 et 14h-17h et 12 janvier 2025 9h30-13h30 et 14h-15h30 PNSD Mougins, formateur Christophe Garcia
25 janvier 2025 - 0h-13h30 et 14h-17h, 26 janvier 2025 9h30-13h30 et 14h-15h30, Pôle 164 Marseille, formatrice Christine Fricker
14 et 15 mars 2025 - 10h-13h30 et 14h-17h, 16 mars 2025 9h30-13h30 et 14h-15h30, Pôle 164 Marseille, formatrice Christine Fricker
Nombre d’heures de formation : 54h30
PNSD MOUGINS
140 Allée Rosella Hightower
06250 MOUGINS
PÔLE 164
164 bd de Plombières
13014 MARSEILLE
04 91 64 11 58
Coût de la formation
Stagiaire autofinancé – 1100€
Stagiaire formation financée OPCO – 1300€
Adhésion obligatoire – 34€
Profil professionnel des stagiaires
- Chorégraphes professionnels
- Artistes interprètes chorégraphiques
Les formateurs
Christine Fricker est chorégraphe de la Cie Itinerrances, pédagogue et directrice artistique du Pôle 164, pôle de création, lieu de fabrique et de transmission de l’art chorégraphique.
La Cie Itinerrances affirme sa volonté de mettre l'humain au coeur de ses projets, une nécessité d'être traversé par des expériences qui parlent de la place du singulier dans le collectif.
“Je privilégie la rencontre avec les interprètes, en accordant une dimension fondamentale à leur personnalité, à la recherche d'une vérité de corps et de présence. Etre dans la liberté d'inventer dans un engagement fort sur le plateau. J'oscille entre théâtralité et abstraction, écriture chorégraphique et acte performatif. Je questionne le vivant dans l'espace de représentation, l'empathie du public, le recours au passé pour inventer le présent.
Mes dernières créations sont nourries des démarches des artistes américains Post Modernistes fondateurs. J'utilise de plus en plus l'écriture partitionnelle qui met en lumière des choix personnels et privilégie le « comment » au « quoi » en encourageant une créativité non jugeante.
Les projets participatifs me permettent de créer des communautés démocratiques de danseurs de tous les âges, cultures, pratiques. Je suis le témoin privilégié et le déclencheur d'élans créatifs qui nourrissent aussi ma démarche.”
Le désir de transmission est un élément fondateur du travail de la compagnie. C’est la volonté de travailler pour et avec des publics qui n’ont pas de rapport évident à la danse contemporaine qui anime cette démarche artistique.
La compagnie dispose d’un éventail de projets et spectacles pour différents genres de publics et intervient dans les écoles, crèches, centres sociaux, accueils de jour…
Christophe Garcia grandit en Haute-Savoie dans un milieu modeste où faire carrière dans la danse n’a rien d’une évidence. Selon la légende familiale, dès qu’il est en âge de tenir sur deux jambes, il n’a de cesse de danser, puis de faire danser les autres. Attentive à cette soif d’expressivité, sa mère l’inscrit à un cours d’art dramatique puis au Conservatoire de danse d’Annecy.
En 1996, il intègre la très sélective Ecole Atelier Rudra Béjart. Ces deux années de formation pluridisciplinaires auprès de Maurice Béjart opèrent chez lui une véritable révélation. La pratique du théâtre, de la musique et des arts martiaux viennent enrichir son répertoire et il s’épanouit pleinement dans ce climat d’effervescence artistique permanente. En 1998, il a la chance d’être engagé par le maître et rejoint le Béjart Ballet Lausanne. Commence alors une vie de compagnies et de tournées internationales. Après Maurice Béjart, Christophe Garcia travaille sous la direction d’illustres metteurs en scène tels que Robert Wilson ou Robert Lepage.
Alors qu’il se questionne sur son avenir, il commence l’écriture d’un solo Alice. C’est là qu’il découvre le plaisir inouï de chorégraphier et renoue avec l’inventivité de ses jeunes années. Faire danser est sa joie. En 2000, Maurice Béjart l’encourage dans cette voie en lui confiant une carte blanche. Dans la foulée, il crée à 19 ans à peine sa propre compagnie, La Parenthèse, parce que c’est un espace grand ouvert à toutes les libertés…
Depuis vingt ans, La parenthèse voyage dans le monde, sans cesser d’explorer les possibilités infinies de la danse et remporte au passage plusieurs prix internationaux. Les appétences musicales de Christophe lui offrent de collaborer avec de grands ensembles musicaux tels que les Arts Florissants ou l’Orchestre National des Pays-de-la-Loire. Partant régulièrement à la conquête de nouveaux publics et d’espaces qui ne lui sont pas dédiés, ses créations se déploient sur le marbre, les monuments, les musées, les salles de campagne, les arénas ou dans les alcôves feutrées des chambres d’hôtel. La plupart des projets sont conçus au gré des espaces dans lesquels ils se produisent.
Parce qu’Amener la danse hors des théâtres permet au spectateur de s’approprier le spectacle, de découvrir une proximité inédite, de partager avec les danseurs des odeurs, une chaleur, une forme d’intimité. L’intime, la quête d’amour, le désir et la sensualité sont précisément au cœur de ses dernières créations : L’ambition d’être tendre, Niebo hôtel, Le problème avec le rose, et le prochain Les Nuits d’été. Amateur de théâtre, de musique et de littérature, Christophe Garcia invite volontiers les mots et la musique live sur scène, habiter le texte sans l’illustrer fait partie du défi. Sa prochaine création Les nuits d’été est à la croisée de ces chemins.
« J’aime que la danse s’aventure partout, et surtout, qu’elle ne reste pas à sa place ».
CONTACT ET INSCRIPTION
04 93 94 79 80